El beso del asesino [Killer's kiss] (Stanley Kubrick, 1955)

"Un boxeador rescata a una cantante de las lascivas garras de su jefe. Intriga y melodrama para una película de bajo presupuesto producida, dirigida, escrita, fotografiada y montada por Stanley Kubrick." (Filmaffinity)

Segundo largometraje de Stanley Kubrick. Una película de cine negro con detalles fantásticos, a destacar los magníficos planos y el poderío visual, cómo ya dije en alguna ocasión para mí la mayor virtud de este director. Pero también con los defectos propios de un principiante, recurre a demasiados lugares comunes y se hace previsible.

Las interpretaciones, la manera en que se desarrollan los acontecimientos y el montaje no están a la altura de otros aspectos cómo la descripción de sus personajes, (esos perdedores que tanto abundaron en el cine americano clásico), sus vidas y los entornos en que se mueven.

Interesante.
6/10

Wicked city [妖獣都市] (Yoshiaki Kawajiri, 1987)

"Criaturas demoníacas se han introducido en nuestro mundo provenientes de una dimensión paralela. Se trata de un fenómeno que viene ocurriendo desde hace varias décadas, motivo por el cual se creó un cuerpo especial encargado de controlar a estas fuerzas invasoras: los guardias negros. Recientemente, contactos entre los gobiernos de nuestro mundo y mandatarios de la dimensión paralela han propiciado un acuerdo de paz que necesita ser ratificado. Renzaburo Taki, uno de los mejores guardias negros, es el principal encargado de que las negociaciones transcurran sin ningún altercado. Por desgracia, no todo el mundo está dispuesto a que se produzca una paz duradera entre los dos mundos..." (Filmaffinity)

Hace una semana ví la película "Neo-Tokyo" formada por tres mediometrajes. "The running man" fue el que más me gustó, así que miré que más ha hecho Yoshiaki Kawajiri, su director, y aquí estoy con una película suya del mismo año (el problema de las películas de animación en los premios es que no compiten en todas las categorías, pero bueno).

"Wicked city" tiene ese ambiente que tanto me gustó en "The running man", muchas luces, rascacielos que iluminan la ciudad, muchos carteles de neon, pubs con leds de colores, carreteras alumbradas por potentes faros, pistas de aterrizaje con luces rojas, en fin, muchas luces y muchos colores... con eso ya me han ganado.

Después tenemos una historia algo típica y sin demasiada chica, ese vacio argumental lo llenan con escenas de acción y de sexo una tras otra. La película es algo así cómo: una masacre, Taki folla con una que se transforma en una araña con un coño con dientes que dispara flujo que le pega a las paredes, paseo en coche con lucecitas, otra matanza, el viejo se va de putas que le absorben con su cuerpo, y de nuevo luces y más luces.

La película no está muy valorada por la gente; quizás es algo típica, pero a mí me ha encantado, tiene un toque diferente, cierta clase y elegancia visual que no tienen la mayoría.

"Wicked city" viene de una novela, y cuenta con dos versiones de imagen real, una japonesa y otra hongkonesa, y un manga. Esta versión me ha encantado, pero no creo que vea las demás; lo que me ha gustado no es la historia, sino su atmósfera. Si eso pruebo con la de imagen real hongkonesa, que la japonesa tiene mala pinta. 8/10

Días de radio [Radio days] (Woody Allen, 1987)

"Son los años 40, la era dorada de la radio, y los peculiares miembros de una familia trabajadora de Nueva York viven con el receptor permanentemente encendido. La música, los seriales lacrimógenos, las historias de superhéroes, los concursos, las crónicas de la alta sociedad y las leyendas sobre estrellas deportivas les sirven para ser un poco menos infelices y engarzan un anecdotario nostálgico de una época irrepetible." (Filmaffinity)

Bonita película que sirve a Woody Allen para recordar el ambiente de su infancia, su entorno y la importancia de la radio en la vida de la gente de esa época.

Yo no he vivido la era de la radio (tampoco la de la televisión, de la que veo pocas cosas), por lo que ese componente nostálgico que tiene esta película no lo siento tan propio, empatizo con ciertas cosas, pero no me emociona ese homenaje al mundo de la radio y sus historias.

El problema es que "Días de radio" es principalmente una obra dedicada a la radio; es entretenida, tiene buenos momentos y chistes, pero en mi opinión no es una gran película, tiene una banda sonora fantástica, buen guión y buenas interpretaciones, pero ahí se queda.

Una película interesante con la que pasar un rato agradable. 6/10

Neo-Tokyo (Rintaro, Yoshiaki Kawajiri, Katsuhiro Ôtomo; 1987)

"Neo-Tokyo reúne tres historias cortas dirigidas y escritas cada una por tres de los directores de animación japonesa más reconocidos del sector: Katsuhiro Ôtomo (Akira, Steamboy), Rintaro (Osamu Tezuka's Metropolis) y Yoshiaki Kawajiri (Wicked City, Ninja Scroll, Demon City)" (Filmaffinity)

1987 es un año con mucho cine de animación interesante, ya hablé de "Twilight Q", y quedan muchas más de las que aún no he hablado; de momento vamos ahora con "Neo-Tokyo". Un proyecto en el que varios directores dirigen un cortometraje. Mi experiencia personal me dice que estos proyectos omnibus casi siempre son infumables ("Lumière y compañía", "Chacun son cinéma", "Taipei 24h" , etc) los autores no terminan de tomarselo en serio y graban cualquier chorrada sin importarles el resultado tanto cómo cuando dirigen un largometraje. Esto es más notorio en el cine de imagen real, los proyectos omnibus de animación en ocasiones son algo flojos ("Genius party"), pero siempre tienen el aliciente de poder ver diferentes estilos de animación (por eso las notas que pongo a los cortos de "Genius party" aunque no sean muy buenas no son 1, 2 y 3 en su mayoría cómo ocurre en esos cortos de imagen real; porque estos cortos de animación al menos suelen ser visualmente atractivos).

·"Labyrint Labyrinthos". Dirigido por Rintaro:

"Una historia un tanto surrealista, seguidora del más puro "non sense" de Lewis Carroll en "Alicia en el País de las Maravillas". Una niña, Sachi, y su gato Cicerón, aparecen al otro lado del espejo..." (Filmaffinity)

Cortometraje un tanto críptico con una animación fantástica, pero un diseño de personajes algo europeo que no me convence demasiado. En la banda sonora suena el tema "Gymnopedie nº1" de Erik Satie, al que siempre que escucho en una película recuerdo la magnífica "El fuego fatuo", especialmente esa maravillosa escena en el café.
Buen cortometraje. 6/10

·"The running man". Dirigido por Yoshiaki Kawajiri:

"Zack Hugh es el gran campeón, sin discusión posible, de las carreras de coches suicidas del Circo de la Muerte. Su gran ambición: ser más y más rápido..." (Fillmaffinity)

Fantástico. Me encanta el estilo de las obras pertenecientes al cyberpunk, la ambientación es fabulosa, el sonido magnífico, ese silencio eterno que sólo se corta por el zumbido de los coches, las luces, los neones, esas sombras, el ambiente desolado.
En fin, muy bueno, me fascina la animación japonesa de este estilo y de esa época. 7/10

·"Trabajos de construcción suspendidos". Dirigido por Katsuhiro Ôtomo:

"La guerra entre las constructoras y la selva, la técnica y la naturaleza, va a caer con todo su peso sobre un empleado... ¿Quién controla a quién?" (Filmaffinity)

El más flojo de los tres, Katsuhiro Ôtomo me gusta mucho, cómo olvidar "Akira", pero en este mediometraje (su primera vez cómo director) sólo tenemos el diseño habitual de edificios y esos colores pastel preciosos y tan caracteristicos de la obra de este autor. Quitando eso nos encontramos con una pieza muy repetitiva y cargante. No ocurre nada importante pero sin embargo es la más narrativa de las tres. Flojito. 4/10

Vale la pena verlo, aunque sólo sea por "The running man" y la pieza musical de los créditos finales con el agua y el viento que la acompañan.

Fear and desire (Stanley Kubrick, 1953)

"En plena guerra mundial, cuatro soldados norteamericanos quedan atrapados y perdidos detrás de las líneas enemigas cuando su avión se estrella. Desesperados por salir de ahí, deciden planear una ruta de escape a través del río, pero en el camino se encuentran con oficiales enemigos." (Filmaffinity)

Primera película de Stanley Kubrick tras sus dos primeros cortos "Day of the fight" un cortometraje documental que no está mal sobre la vida de un boxeador, y el cortometraje absolutamente marciano "Flying Padre", sobre un sacerdote que va de lado a lado en una avioneta llamada "El espíritu de San José" mientras una voz en off nos describe sus hazañas.

Tras estos dos cortos filmó el mediometraje propagandístico "The seafarers", sobre los marines estadounidenses, producido por un sindicato de la marina y en el que se invita al espectador a unirse a ese maravilloso cuerpo en el que seremos hombres nuevos y viviremos una vida de ensueño.

Me salto las entradas sobre esas tres primeras obras por no tener nada destacable que reseñar y comienzo con "Fear and desire".

Llama la atención el tremendo avance de esta película respecto a sus primeras obras, especialmente a nivel formal.
La fotografía a cargo del mismo Kubrick en un blanco y negro poderosísimo nada tiene que envidiar a la de películas de importantes directores con décadas de carrera. La planificación de "Fear and desire" también comienza a recordar a películas futuras de este director, el uso de primeros planos con lentes no habituales o con curiosos encuadres, también ese montaje con tintes expresionistas y el gusto por mostrar la acción fragmentandola con planos detalle. En definitiva, el potentísimo lenguaje visual de Kubrick (en mi opinión la mayor virtud de este director).

Destacaría especialmente dos secuencias, la del asalto a la base de los enemigos, por su tempo pausado y su oscura fotografía. También la secuencia en la que el soldado se queda a solas con la mujer atada al árbol, por su erotismo a nivel conceptual, ese paralelismo que establece entre dos humanos y su versión animal, macho y hembra, y cómo ésta está a merced del macho cómo ocurre en el mundo animal. Hablo de lo que sugiere la escena, no en cuanto a lo que realmente está ocurriendo, que es asqueroso; igual que un hombre se crea superior a una mujer por el hecho de serlo también lo es. Otro tema es en el terreno sexual, dónde esto de los roles no es igual que en el día a día, sexualmente un hombre es casi siempre el fuerte y dominante, a mí las mujeres no me follan, me las follo yo. Sé que depende de cada uno, pero al menos en mi caso no puedo ser de otra manera, me cuesta ser manso durante el sexo, eso de que el sexo es diversión, juguetear, risas, poesía y flores en la cama, no sé, no me va. Alguna vez sí puedo ser así, esto es cómo decir que un tipo que sea soso por serlo nunca habrá hecho reír a alguien, pues claro que habrá hecho reír a gente, pero no es lo que suele hacer.

Bueno que siempre me voy por las ramas para hablar de mis cosas. Muy buena película, un debut prometedor. 7/10

Final victory [最後勝利] (Patrick Tam, 1987)

"Tras entrar en la cárcel Bo pide a su mejor amigo Hung que cuide a su mujer y su amante.

Hung es algo torpe e inseguro por lo que la convivencia y protección de estas dos mujeres se le hace complicada, y más cuando comienzan a surgir los sentimientos entre ellos."

Película dirigida por Patrick Tam con guión de Wong Kar-Wai, su último guión escrito para otro antes de lanzarse a dirigir un año más tarde con "As tears go by".

La comedia Hongkonesa no me termina de convencer, los chistes suelen ser tonterías una tras otra y las interpretaciones muy histriónicas, demasiado pasado de rosca para mi gusto. Hablo en general, claro está, y "Final victory" es una de esas muchas excepciones, los dialogos y situaciones escritas por Wong Kar-Wai y la manera en las que las plasma Patrick Tam hacen de ésta una obra muy disfrutable. Algo alocada para quien no esté acostumbrado a la comedia de Hong-Kong, pero desde luego menos excesiva de lo habitual.

Todos los actores están fantásticos, Tsui Hark aparece poco pero cumple en todas sus escenas, las dos chicas muy divertidas y un Eric Tsang genial, gracioso, simpático y con encanto, cómo casi siempre; para mí uno de los actores fundamentales de ese país. 

Una película muy entretenida, (quizás le sobran algunas escenas, pero es que sin ellas no llegaría a los 90 minutos), muy ochentera y con esas maravillosas secuencias musicales cómo en "My heart is that eternal rose". Patrick Tam tiene un enorme talento a la hora de escoger temas musicales con los que hacer que cualquier momento te parezca grandioso, me encantan esas canciones, esos bares y esos karaokes, las luces y los colores tan vivos de esos años; y por supuesto ese tremendo sentimiento y vitalismo que le ponían los hongkoneses de esa época a sus películas. 

Una película estupenda. 7/10

7 vírgenes (Alberto Rodríguez, 2005)

"Es verano en un barrio obrero y marginal de una ciudad del sur. Tano, un adolescente que cumple condena en un reformatorio, recibe un permiso especial de 48 horas para asistir a la boda de su hermano Santacana. Con su mejor amigo, Richi, se lanza a vivir esas horas con el firme propósito de divertirse y de hacer todo lo que le está prohibido: se emborracha, se droga, roba, ama y vuelve a sentirse vivo y libre. Pero, a medida que pasan las horas, Tano también asiste al desmoronamiento de todos sus puntos de referencía: el barrio, la familia, el amor, la amistad, todo ha cambiado. Más allá de un permiso de 48 horas, la libertad de Tano se convierte en un viaje obligado hacia la madurez." (Filmaffinity)

Hace un tiempo hablé de varias películas del cine kinki español de los 80, la edad dorada del género. Este tipo de películas siguen existiendo, pero cada vez menos, hasta llegar al momento actual en el que practicamente se han extinguido. Estas películas y series de ahora protagonizadas por Mario Casas y compañía no cuentan, son películas cuya primera intención es la de lanzar a la fama a jovencitos guapetes que se quitan la camiseta en todas las secuencias para que las niñas chillen.

"7 vírgenes" tiene algo que no tenían esas películas de los 80, buena dirección, buen guión y demás, en definitiva, una buena película. Está claro que 'El pirri', 'El torete' y compañía eran muy auténticos, pero quitando la ambientación, la música y los actores lo demás era flojo. Te ofrecían verles robando coches con los chichos de fondo y nada más, se pasa un buen rato, está claro, pero cinematograficamente no eran buenas películas.

El problema con "7 vírgenes" es que muchisima gente la desprecia por decir que no encuentra la gracia en ver la vida de esta gentuza, que les es imposible querer a esos personajes. Estos mismos son los que adoran a Tony Montana y compañía; un chaval que va en moto sin casco y roba carteras es una basura cómo persona, mientras que el jefe de una organización criminal es el puto amo. Esto que he dicho quizás es algo manipulador, lo que quiero decir es que muchísimas películas están protagonizadas por auténticos hijos de puta a los que se esconde bajo un traje, diálogos ingeniosos y un aura encantadora. Son personajes que también están muy alejados del día a día de un espectador cualquiera, uno no suele conocer a Vitos Corleone, pero sí que puede conocer personajes cómo los del cine kinki, esto hace que los relacione con sus propias experiencias y les pueda tener asco.

Otro de los aspectos destacables de esta película es que no busca crear héroes, no es cómo aquellas películas de los 80 en las que los personajes parecían ser unos desgraciados a los que todo el mundo putea, algo que puede ser verdad en cierto modo, pero que desde luego no justifica muchos de sus actos. "7 vírgenes" presenta a unos jovenes en su entorno con sutileza e intentando huir del sentimentalismo y la falsedad.

El tema de que la película abarque tan sólo un fin de semana le da una intensidad enorme, capta ese corto espacio de tiempo cómo si fuera eterno en el que Tano y Richi viven una vida en sólo dos días. Durante mi adolescencia viví una vida similar a la que se ve en esta película, en la que también 15 días parecían un año, por eso de no pasar casi por casa, estar todo el día en la calle y no descansar ni un segundo, cómo si todo fuese a acabar rápidamente y no querer dejar escapar toda esa vida y experiencias. En el fondo esta es una película muy especial, es muy poética, el fantástico final, la escena en la que Tano mira la pecera cómo en "La ley de la calle", las escenas dentro del agua de la piscina, la secuencia en la gasolinera, la mañana de Tano en casa de Patri y especialmente el mundo interior de Tano, esa escena en la que todos se están pegando fuera y él se queda en el coche con las lunas tintadas de azul mientras piensa en sus cosas.

Recuerdo el día en el que fuí a ver esta película, en esa época no veia practicamente ninguna película, ni leía, ni tenía internet (más que lo típico de ir al ciber a ver a algun amigo y que alguna me enseñase las tetas por el messenger) ni televisión, estaba todo el día con la vida loca esa en la que pensaba igual que Tano y Richi cuando van a la pollería y dicen que el pollero es tonto por trabajar, o cuando estando en la salida de algún instituto veía a los que iban a clase y que estudiaban cómo a unos idiotas. En ese momento me sentí muy cercano a Richi, por su gracia y carisma; el Tano (Juan José Ballesta) me pareció un angustias, demasiado pensativo y amargado por sus cosas. Ahora que la he vuelto a ver y que he cambiado mucho en todos los aspectos el que me llamó la atención fue el personaje interpretado por Ballesta, me parece que simboliza el espíritu de la película, su mirada perdida y sus continuos ensimismamientos, esas escenas en las que todo lo que ocurre a su alrededor parece serle ajeno, un personaje que parece darse cuenta de que eso que está viendo es una ilusión que se acabará tarde o temprano, que no termina de vivirla al límite por ese motivo.

Una película muy especial repleta de momentos maravillosos, similar en esa trascendencia del cine japonés sobre adolescentes. Es una gran película, para mí la mejor española de este tipo, aunque sé que quizás le doy más nota de la que le daría de no ser por esa carga emocional que tiene ver reflejados ciertos momentos que uno ha vivido. 9/10

La comedia sexual de una noche de verano [A Midsummer Night's Sex Comedy] (Woody Allen, 1982)

"Comienzos del siglo XX. Tres parejas se reúnen para pasar un fin de semana en el campo: un inventor que ha creado una `bola para atrapar espíritus` y su mujer, que tiene problemas sexuales; un racionalista y pomposo profesor de filosofía y su prometida, mucho más joven que él, y un médico, mujeriego compulsivo, y su última conquista. El ambiente idílico propicia la confusión emocional de los personajes." (Filmaffinity)

Ví esta película hace más de un mes, pero entre una cosa y otra no he podido meterme al blog, y ahora muchas cosas que quise decir sobre ella se me han olvidado; pero bueno, vamos allá.

Una de las películas más discretas de Woody Allen.

El guión es cómo siempre lo que más destaca, buenos diálogos y un argumento interesante, pero lejos queda de su nivel habitual en esa faceta. En todos los demás aspectos es una película correcta, sin más.

Una comedia ligera con la que pasar un rato agradable, que propone debates interesantes pero los desarrolla de manera demasiado simplista y algo tonta. Desde luego no es el mejor estudio del amor, el sexo y las relaciones dirigida por Woody Allen. Una de las razones es por estar ambientada en el pasado, muchas de esas películas se descuidan lo importante por prestar atención a un elemento que se hace más importante de lo habitual, la dirección artística y el conseguir recrear acertadamente el ambiente de la época, las gentes y demás.
Nominada a mejor guión y mejor actriz (Julie Hagerty) en los "Premios Luces difusas (1982)".
5/10.

A better tomorrow II [英雄本色續集] (John Woo, 1987)

"Kit trabaja en un caso de falsificación de billetes en el que está envuelto Lung, un viejo amigo de su hermano. Más tarde Lung es atacado y se refugia en Nueva York junto a Ho. Allí conocen a Ken, hermano gemelo del fallecido Mark. Los tres con la colaboración de Kit vuelven a Hong Kong para acabar con los hombres que mataron a Mark."

Continuación de la popular "A better tomorrow". Aquí la llamaron "Honor, plomo y sangre", siguiendo la tradición de titular las continuaciones con nombres que no guardan relación con la anterior (con lo sencillo que es poner el título original y detrás un 2 o un 3) para que la gente no piense que tiene que ver la primera para ver la segunda. El problema llega cuando nos encontramos con sagas de más de cinco películas, cada una con un título distinto a las anteriores y en las que cómo no lo mires por fechas es imposible saber cual es el orden.

"A better tomorrow II" expande todo lo visto en la primera, más y mejor acción, más y peores dialogos de hermandad, más melodrama, más tensiones, etc.

Nos encontramos con las mismas virtudes y defectos de la primera.

Las virtudes son la extraordinaria planificación habitual de John Woo, un director que siempre crea unas imagenes poderosas y que tiene una gran destreza a la hora de planificar escenas de acción. La banda sonora vuelve a ser fantástica, reciclando y versionando temas de la primera y añadiendo temas instrumentales más clásicos, por esto de realzar la grandiosidad de lo visto anteriormente, cosa que suele ocurrir en las segundas partes de películas exitosas.

Los actores principales cumplen todos en general, y los secundarios son excelentes cómo en casi cualquier película hongkonesa (me encanta Shing Fui-On, un secundario que suele hacer de matón en casi cualquier película que veas de este país). También tenemos a otro tipo con unas carrera champion que es el más peligroso de todos, igual que en la primera cuando se van a la isla y hay otro con esas gafas que termina liándosela. En estas películas los que van con gafas Ray-Ban son "los buenos" (cómo Mark, Ken y algunos policías), y los que van con gafas Carrera son "los malos". El momento más épico relacionado con las gafas de sol es cuando se encuentran Ken y el sicario de las Carrera y ambos antes de coserse a tiros tiran las gafas al suelo para matarse sin patrocinadores de por medio.
Para acabar con los actores decir que Leslie Cheung está aún mejor que en la primera, con mucho más empaque en su interpretación y que Chow Yun-Fat, del que ya dije en alguna ocasión que no me suele gustar pero que tampoco me desagrada aquí si que no me ha gustado, me cansan sus poses, sus sonrisas, y también su cara. En esa época casi siempre interpretaba al personaje "molón" de la película, y de eso nunca ha tenido nada, no tiene ni el carisma, ni el atractivo, ni la gracia o el encanto necesarios para interpretar a esos personajes. Me tengo que creer que el tipo es un fiera porque así me lo pintan, porque va con una cerilla entre los dientes, se tira un bol de arroz a la cara porque está muy loco, se enciende los cigarros con billetes ardiendo, sopla a la pistola después de disparar o porque se traga el gas de un mechero para pasar el rato. Una pena que decidiesen resucitarle para la segunda entrega sacándose de la chistera que Mark tenía un hermano gemelo que no salió en la primera porque vivía en Nueva York.

En general la película tiene muchos fallos, especialmente toda la parte de Lung en Nueva York que es bochornosa, pero tampoco se puede negar que estamos ante una película muy entretenida, atractiva, emocionante y con momentos grandiosos. 6/10
Ficha en la Asiateca

Nocturne [Nyhterino] (Lars von Trier, 1980)

"Una mujer que no puede soportar la luz del sol y debe vivir casi siempre a oscuras, se siente muy angustiada ante la perspectiva de tener que realizar un viaje en avión. Primer cortometraje de Lars von Trier, que ya mostraba algunos rasgos del estilo que desarrollaría más tarde." (Filmaffinity)

Primera obra de Lars von Trier, creada durante sus años de estudiante. El mejor corto de un estudiante de cine que he visto; más que eso, uno de los mejores cortometrajes que he visto de un director que no pertenezca puramente al cine experimental (ya que este tipo de cine está formado en gran parte por cortometrajes, que además juegan en otra liga por impactar mucho más fuertemente al recurrir exclusivamente a la imagen, y no a historias de diez minutos que casi nunca llegan a contar nada, que recurren a tópicos uno tras otro o al efectismo fácil por no tener tiempo material para desarrollar un argumento compacto y consistente).

"Nocturne" me ha encantado, es maravilloso todo el ambiente, la recreación de la espera al amanecer estando a oscuras, ese extraño estado de calma en esas horas de la noche, y la posterior salida a la calle vacía en la que ha llovido. "Nocturne" no es más que la captación del estado anímico de su protagonista, muestra a la perfección cómo es el mundo a esas horas y la sensación de pasear por una ciudad por última vez antes de irte.

Perfecta a nivel sonoro, visual y ritmico. Nominada a mejor película, mejor montaje y mejor ambientación en los "Premios Luces difusas (1980)" y a mejor ambientación en los "Premios Luces difusas (1980-1984)".

Una auténtica joya. 9/10

Epidemic (Lars von Trier, 1987)

"Un director de cine y su guionista (interpretados por Lars von Trier y Niels Vørsel) escriben un guión para una película sobre una epidemia que se expande por el mundo. Mientras trabajan, no se dan cuenta de que una epidemia real se está propagando a su alrededor. Segunda película de la llamada "trilogía europea" cuyo fin es poner de manifiesto los traumas de Europa. Comprende las películas "El elemento del crimen" (1984), "Epidemic" (1987) y "Europa (Zentropa)" (1991)." (Filmaffinity)

Al ver que Lars von Trier dirigió una película en el año 1987 y teniendo en cuenta esos premios decidí darle otra oportunidad tras su lamentable corto "Occupations" y la pasable "Dogville". He hecho bien, muy bien, "Epidemic" me ha maravillado, la considero una de las películas más infravaloradas e incomprendidas de la historia, es practicamente imposible encontrar alguien que hable bien de esta película, incluso los que tienen relación con ella cómo Trier y Niel Vørsen en el audiocomentario de la película se ríen de ella y de lo ridículos que les parecen ciertos planos o situaciones.
Ese audiocomentario es genial, muy entretenido, interesante y gracioso, aunque no termine de estar de acuerdo con algunas cosas que dicen es un cachondeo los comentarios que van haciendo.

Para mí "Epidemic" es de una pureza y honestidad asombrosa, es una obra tan honesta que no esconde ninguno de sus errores, fallos técnicos, interpretativos, de presupuesto, y de todo tipo. Por poner un ejemplo "Dogville", tiene muchos fallos, pero los esconde tras ese halo de cine de autor en el que todo es posible, de cine ya hecho y avanzado; ahí los errores no los perdono, pero sí perdono e incluso aprecio y sonrío con los fallos debidos a la ingenuidad y la inexperiencia. Lo grave no es errar desde el desconocimiento, sino desde el conocimiento.

"Epidemic" es una película rodada sin apenas dinero, y que el mismo director afirma no tener mucha idea a la hora de dirigir en ese momento. Pero ciertas obras superan a su autor, cómo "Tokyo-Ga" o ésta, sin duda.

Las imagenes son fascinantes, por un lado las arrebatadoras imagenes de las ciudades, las fábricas, las carreteras, el cemento y por otro ese extraño misticismo de las pequeñas secuencias de la "Epidemic" dentro de esta película, muy cercanas al buen Dreyer de "Vampyr". El naturalismo de las interpretaciones y situaciones gracias a ser en gran parte una obra documental es admirable. "Epidemic" es pura magia, el ambiente y el estado emocional que crea en el espectador (o al menos a mí, ya que cómo dije para todo el mundo esta película es pura mierda) es similar a pasar por esa sesión de hipnosis que vemos al final de la película.

Todo esto quizás no fue buscado por su autor pero lo importante es que ahí está. Además de todo este componente emocional y sensorial también destacaría los paralelismos entre las dos películas que se ven dentro de "Epidemic", aquella en la que los dos personajes viven experiencias durante la escritura del guión de la película de la que vemos fragmentos intercalados. Y por último la tercera película, "Epidemic" en si misma, en la que muchas de las cosas que se hablan en las otras dos se ven reflejadas en ese resultado final, todas ellas son "Epidemic" cómo el título grabado en letras rojas que acompaña a todos los fotogramas de la película, que se esconde bajo las sombras y reaparece con la luz.

Una de esas obras malditas tremendamente especiales y extrañas, puro cine. Obra maestra. 10/10

Twilight Q (Tomomi Mochizuki, Mamoru Oshii, 1987)

"OVA dividida en dos historias independientes. En la primera, Mayumi estaba buceando en el mar, cuando encontró una cámara de fotos. Al ver el carrete, se sorprendió al hayar en ella una imagen de sí misma en el brazo de un hombre a quien no conoce. Cuando descubre que la cámara es de un modelo que todavía no ha salido en venta, empiezan a presentarse extraños sucesos... El segundo episodio (dirigido por Mamoru Oshii) sigue los misteriosos sucesos que están asolando Japón, que implican la desaparición de varios aviones durante un verano." (Filmaffinity)

Serie de episodios de animación de una media hora dirigidos por diferentes directores de la que tan sólo se dirigieron dos capítulos. Ambos tocan el tema paranormal o hablan de sucesos misteriosos.

·"Reflections". Dirigido por Tomomi Mochizuki:

Cuenta la historia de una chica que se encuentra una cámara en el mar en la que hay una foto suya junto a un chico al que no conoce. Resulta que la cámara tiene pegadas algas de unos dos años de antiguedad, y lo más curioso es que esa cámara aún no ha salido a la venta. A partir de ahí esta chica, Mayumi, comienza a viajar en el tiempo, viviendo guerras pasadas o viajando al futuro para visitar su tumba.

Lo que más me ha gustado de este mediometraje es su naturalidad; ocurren cosas extrañas, pero todo se cuenta sin recurrir a las formulas de este tipo de historias. Los colores y la animación son hermosos, la ambientación también, y a pesar de jugar con multiples momentos históricos se conserva en todo momento la estética de los 80, no se juega en ningún momento a adivinar cómo será el futuro, o cómo fue el pasado.
Muy bueno, calmado, bello, con una gran banda sonora y una fantástica captación del ambiente veraniego, de las vacaciones, la adolescencia, con un sol y un viento que parecen sentirse. Una delicia. 7/10

·"File 538". Dirigido por Mamoru Oshii:

En la línea habitual del gran Mamoru Oshii, una animación espectacular, bellísima, diferente, cuidadísima. Y también cómo siempre plagada de dialogos, en este caso un sólo personaje, un detective, que lee durante practicamente media hora la carta que escribe a un detective que cree que continuará la investigación que él ha comenzado.
Denso, complejo, maravilloso formalmente. Sólo el final está un poco por debajo. 7/10

Pues nada, me ha gustado mucho, un experimento muy recomendable.

Premios Luces difusas (1986)

Estos premios "me los he trabajado", he estado viendo películas de ese año para no hacer una de esas ediciones de las que sólo he visto cinco películas y dos de ellas ni me parecen gran cosa. Esto lo haré a partir de ahora, ya que me ha gustado mucho ver sólo películas del mismo año y ver sus parelelismos  y diferencias.

El problema está en que he descubierto muchas maravillas de este año, y elegir un ganador en cualquier categoría es dificilísimo. Especialmente en mejor dirección, en la que Lynch, Yang y Tarkovsky se merecen el premio sin discusión. Le he dado muchísimas vueltas al asunto y no hay manera, los tres se lo merecen por diferentes razones, pero todos por igual. Al ser imposible decidirme entre ellos (la primera vez que me pasa que realmente no veo ningún pequeño detalle que haga que me decida por uno) se lo doy a Tarkovsky, por ser su última película y no tener más oportunidades de ganarlo cómo si tendrán Edward Yang y David Lynch.

Mejor película
Bajo el peso de la ley (Jim Jarmusch)
El castillo en el cielo (Hayao Miyazaki)
Sacrificio (Andrei Tarkovsky)
Terciopelo azul (David Lynch)
Terrorizers (Edward Yang)

Mejor dirección
Andrei Tarkovsky (Sacrificio)
David Lynch (Terciopelo azul)
Edward Yang (Terrorizers)
Hayao Miyazaki (El castillo en el cielo)
Jim Jarmusch (Bajo el peso de la ley)

Mejor guión
Bajo el peso de la ley
El castillo en el cielo
Hannah y sus hermanas
Terciopelo azul
Terrorizers

Mejor fotografía
A better tomorrow
Bajo el peso de la ley
Sacrificio
Terciopelo azul
Terrorizers

Mejor montaje
Bajo el peso de la ley
El castillo en el cielo
Sacrificio
Terciopelo azul
Terrorizers

Mejor dirección artística
A better tomorrow
Bajo el peso de la ley
Sacrificio
Terciopelo azul
Terrorizers

Mejor actor
Dennis Hopper (Terciopelo azul)
Erland Josephson (Sacrificio)
Leslie Cheung (A better tomorrow)
Tom Waits (Bajo el peso de la ley)
Woody Allen (Hannah y sus hermanas)

Mejor actriz
Cora Miao (Terrorizers)
Dianne Wiest (Hannah y sus hermanas)
Emily Chu (A better tomorrow)
Guðrún Gísladóttir (Sacrificio)

Isabella Rosellini (Terciopelo azul)

Mejor reparto
A better tomorrow
Bajo el peso de la ley
Hannah y sus hermanas
Terciopelo azul
Terrorizers

Mejor banda sonora
A better tomorrow
Bajo el peso de la ley
El castillo en el cielo
Sacrificio
Terciopelo azul

Mejor ambientación
A better tomorrow
Bajo el peso de la ley
Sacrificio
Terciopelo azul
Terrorizers

Ciudadano Kane [Citizen Kane] (Orson Welles, 1941)

"Un importante financiero estadounidense, Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo de estilo oriental. La última palabra que pronuncia antes de expirar, ”Rosebud”, cuyo significado es un enigma, despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Así las cosas, un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio." (Filmaffinity)

Otra de esas importantes películas a las que aún no dediqué una entrada por haberlas visto hace demasiado tiempo y no recordarlas bien.

"Ciudadano Kane" suele ser considerada cómo la mejor película de la historia del cine, especialmente entre los críticos. Los que así lo piensan suelen basarse principalmente en su apartado técnico, "Ciudadano Kane" supuso un innegable punto de inflexión en la manera de crear, ver y entender el cine.
Vista sin tener en cuenta esos méritos técnicos y formales sigue siendo una gran película, compacta, con una fuerza tremenda y un enorme poderío visual.

Una película repleta de detalles interesantísimos, unos personajes muy buenos (quizás las interpretaciones estén un poco por debajo), un gran guión, innovador montaje y fotografía, y por supuesto una dirección genial, y más teniendo en cuenta que se trata de su primera película.

Siempre tengo en cuenta la época en la que se creó una película, ya sea por pertenecer a un movimiento, por la identificación con determinados tics de su época, por crear cosas novedosas cómo aquí o por ver los cambios con películas de ese mismo director, actor, etc.
Esto no significa que la época de la que sea una película la haga crecer de manera bestial, le hace ser mucho más interesante y atrevida, pero no todas las obras precursoras son obras maestras por el hecho de ser las primeras en algo. En mi opinión la película más original de la historia del cine (o de las que he visto y recuerdo) es "Al final de la escapada", otra película de un director primerizo que rompe y reconstruye mucho de lo visto anteriormente en el cine, no sólo a nivel técnico cómo "Ciudadano Kane" (aunque también innova en ciertas cosas de la narrativa), sino también a nivel conceptual. Pero no por esto "Al final de la escapada" me parece una obra maestra; es una obra maestra en sí misma, con el añadido de ser una película importante.

Una enorme película, me fascinan los encuadres y la potencia de sus imagenes. 8/10

Césure

Videojuego experimental en primera persona en el que nos encontramos en un lugar extraño que podemos recorrer a nuestro antojo.

Para muchos "Césure" es un videojuego estúpido o algo a lo que ni se puede etiquetar cómo un videojuego al no haber misiones, objetivos, dinámicas, ni nada parecido. Tan sólo se trata de moverse por ese lugar, detenerse para apreciar las cosas desde el encuadre que queremos, descender por los raíles o pasear por encima del agua.

Pero es que lo que ofrece "Césure" es genial, el entorno es fascinante, un lugar cautivador, misterioso, que recorremos mientras se escucha un ruido ambiente similar al del cine de David Lynch o Ratanaruang. No hay más, pero tampoco es necesario, es una experiencia especial, novedosa y muy atractiva con la que pasamos una horilla (por poner) en la que nos dejamos absorber por ese mundo que se nos presenta.

Creo que a los videojuegos aún les falta recorrer muchísimos caminos inexplorados. Se ha creado el canon de la subida de niveles, enfrentamientos contra enemigos y demás elementos carecterísticos de este "arte". Pero creo que no existe mucho fuera de eso; por ejemplo en el cine el canon es el de contar historias con las que pasar el rato y olvidarnos de nuestra vida cotidiana; un cine que no es el que más me interesa, pero existen millones de películas que no tienen que ver con esa idea, o que se basan en ella pero no temen utilizar los margenes. En los videojuegos esta idea de cómo debe ser un videojuego está tremendamente instaurada, y es muy atrevido crear algo alejado de este tipo de creación, juegos cómo "Shadow of the colossus" ya son vistos cómo videojuegos muy alejados de cualquier otro aunque sigan respetando muchas de las normas de este mundo jugable.
Creo que cualquier arte puede ser redefinido o reinterpretado en cualquier momento, no hay porque temer aquello que no sea similar a lo habitual, ya que esas propuestas siempre ayudan al enriquecimiento de ese medio.

Por último decir que la estructura clásica de un videojuego me parece genial, con el paso del tiempo se han creado unos lugares comunes muy acertados, que casi siempre funcionan y que nos hacen disfrutar de experiencias maravillosas. Pero existe esa sensación de homogeneidad que "Césure" y otros juegos de ese estilo rompen.
7/10